Par Émilie Keundjian

Présentée à l’occasion du Nouvel An lunaire, l’exposition Analogie les chemins de la spiritualité au Japon et en Corée, au Casino de Sanary-sur-Mer, propose jusqu'au 28 février une lecture sensible et profondément personnelle de la Corée et du Japon. À travers une série de photographies argentiques et numériques, l’artiste invite le spectateur à dépasser les différences apparentes pour explorer les résonances culturelles et spirituelles qui relient ces deux pays.

À l’occasion du vernissage, j’ai pu bénéficier d’une visite guidée menée par l’artiste elle-même, offrant un éclairage direct sur la genèse de ses œuvres et les intentions qui les sous-tendent. Cette immersion commentée a permis de mieux saisir les subtilités du projet Analogie, au-delà de la seule lecture visuelle des images.

Un titre à double sens

Le choix du titre Analogie n’est pas anodin. Il repose d’abord sur un clin d’œil assumé à la photographie argentique (ou photographie analogique) que l’artiste Vanessa Marie Pisano affectionne particulièrement. Mais le terme prend également une dimension plus conceptuelle : celle de l’analogie au sens philosophique, c’est-à-dire la recherche de similitudes entre des réalités différentes.

C’est précisément dans cette tension entre différences et correspondances que s’inscrit le projet. La Corée et le Japon, bien que marqués par des histoires, des pratiques et des héritages distincts partagent selon l’artiste un point de convergence essentiel : la voie spirituelle. C’est ce fil invisible qu’elle a choisi de mettre en lumière.

Une œuvre née d’un voyage et de temps

Les photographies présentées dans Analogie sont issues de plusieurs voyages réalisés entre 2022 et 2025. Le point de départ remonte à un congé sabbatique de dix mois durant lequel l’artiste a vécu une immersion profonde en Asie. Elle a ainsi passé près de sept mois en Corée et un mois au Japon avant d’y retourner à plusieurs reprises les années suivantes.



Cette temporalité étendue lui a permis de dépasser le regard du simple visiteur. Loin de se limiter aux images iconiques, son travail s’est construit dans la durée, au fil des saisons, des séjours et des expériences répétées. Cela n’a pu se bâtir qu’avec le plus précieux des alliés : le temps.

Contemplation et spiritualité

Cette approche a également été développée lors d’une conférence donnée par l’artiste au cours de laquelle elle est revenue sur la genèse de son exposition, ses voyages et les choix artistiques qui structurent cette exposition. Un temps d’échange qui a permis de mettre en perspective les images exposées avec une réflexion plus large sur la spiritualité, le voyage et la perception du temps.

Le thème du Nouvel An lunaire a joué un rôle déclencheur dans la construction de l’exposition. Ayant vécu cette période à plusieurs occasions en Corée et ayant observé les rituels hivernaux au Japon, l’artiste a été touchée par la récurrence de pratiques communes : se réunir, partager des moments simples, se rendre au temple, formuler des vœux, exprimer de la gratitude.


Ces gestes, à la fois intimes et collectifs, constituent le cœur de l’exposition. Les images ne documentent pas seulement des lieux mais traduisent des états intérieurs, une atmosphère, une lumière et une pause propice à la contemplation.

Photographier l’imperfection

La démarche revendiquée par l’artiste s’éloigne volontairement d’une approche académique. Issue de la « street photography » elle privilégie l’instant, l’intuition et l’acceptation de l’imperfection comme partie prenante de l’image. En voyage, explique-t-elle, les événements surgissent sans prévenir : le cadrage n’est pas toujours possible, la lumière idéale rarement présente.

Plutôt que de lutter contre ces contraintes, elle choisit de les intégrer à son langage visuel. Les plans parfois resserrés, les éléments hors champ ou coupés deviennent alors des invitations à l’imaginaire, des laissez-passer aux songes. Le spectateur est ainsi invité à compléter l’image et à deviner ce qui se trouve au-delà du cadre : à devenir partie prenante de la réalisation.

Le traitement de l’image : un acte créatif

Mais le travail ne s’arrête pas à la prise de vue. Le traitement des images occupe une place centrale dans sa démarche artistique. Pour l’artiste, la retouche n’est pas un artifice mais elle permet de transformer l’image, de lui insuffler une autre vie, parfois plus mystique ou symbolique.

Certaines photographies – initialement lumineuses et apaisantes – sont ainsi retravaillées pour révéler une présence presque invisible : un esprit, une tension, une profondeur spirituelle. Le mont Fuji en est un exemple vivant : traité en noir et blanc jusqu’à évoquer une estampe, brouillant volontairement la frontière entre la photographie et l’art graphique.


Une exposition tournée vers l’universel

En réunissant la Corée et le Japon à travers une lecture qui se veut sensible et non comparative, Analogie s’inscrit dans une vision contemporaine de l’art comme un langage universel. Les images ne servent pas à démontrer mais à faire ressentir. Elles laissent à chacun la liberté d’y projeter sa propre expérience.

L’exposition offre ainsi un espace de dialogue silencieux entre cultures, spiritualité et perception intime, rappelant que, par-delà les différences, certaines émotions et pratiques humaines résonnent partout de la même manière.

Informations pratiques

Dans le cadre de l'exposition, vous pouvez acquérir les tirages d'art exposés. Ils sont vendus avec leur cadre. Plus d’informations sur le linktree de l'artiste.


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